Willie Coles ökologische Interventionen verwandeln Müll in Kunst

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Der Künstler lud die Gemeinde in Newark ein, sich Objekte neu vorzustellen, die sonst auf der Mülldeponie landen würden – und sie auf eine frische, fantasievolle Art und Weise zu betrachten.

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Von Laura van Straaten

NEWARK – Der Künstler Willie Cole hat zwei kolossale neue Skulpturen geschaffen und eine provokante Gruppenausstellung ins Leben gerufen, die aus einem ungewöhnlichen offenen Aufruf entstand, bei dem Künstler aufgefordert wurden, Objekte, die für die Mülldeponie bestimmt sind, in etwas Fantasievolles und Neues zu verwandeln.

Die daraus resultierenden Werke sind in zwei Ausstellungen im Express Newark zu sehen, dem Zentrum für sozial engagierte Kunst und Design an der Rutgers University – Newark, wo Cole, 68, Artist in Residence ist. Sie sprechen von seiner langjährigen Praxis, fertige Objekte als Rohstoffe zu verwenden, und seiner Beschäftigung mit Umweltkrisen.

Coles eigene Show „Spirit Catcher and Lumen-less Lantern“ besteht aus zwei kronleuchterähnlichen Werken, die jeweils aus mehr als 3.000 gebrauchten Plastikwasserflaschen zusammengesetzt sind, die in Newark gesammelt wurden, wo Cole in den 1960er Jahren aufwuchs.

Die Formen, die während seines Aufenthalts vor Ort mit Hilfe von Rutgers-Studenten und Newark-Nachbarn mit Metalldraht zusammengeflochten wurden, zeigen Coles Frustration über die Folgen der jahrelangen Wasserkrise der Stadt: Im Jahr 2019 stufte die Umweltschutzbehörde das Wasser der Stadt als unsicher ein zu trinken, und Newark begann, etwa 23.000 Leitungen alter Bleirohre zu ersetzen. Cole war bestrebt, sich mit seinen Kunstwerken der Krise und insbesondere dem nächsten Problem zu widmen: Was tun mit den Tausenden von Einweg-Plastikwasserflaschen, die die Stadt verteilt, die zum Kreislauf aus Giftigkeit und Umweltverschmutzung beitragen?

Während Cole mit Rutgers-Studenten in seiner Atelierwerkstatt im Lehrlingsstil die Wasserflaschenskulpturen herstellte, rief er sie dazu auf, ein gefundenes Objekt „in so viele Teile wie möglich“ auszuwählen und zu zerlegen und dann aus diesen Teilen etwas Neues zu erfinden . Seine Mitlehrerin, Colleen Gutwein O'Neal, wandelte die Aufforderung in einen offenen Aufruf für Künstler in der Region um.

Das Ergebnis ist eine bescheidene Ausstellung von Skulpturen ausgewählter Künstler, die gemeinsam mit Rutgers-Studenten präsentiert werden. Es wurde von O'Neal kuratiert und ist bis zum 30. Juni im Express Newark zu sehen. (Die Regisseurin Salamishah Tillet ist eine Kritikerin der New York Times.)

Wie Coles Wasserflaschen bestehen viele der ausgestellten Objekte – früher eine Taschenlampe, eine Lampe, eine Wanduhr, ein Plattenspieler, ein Ventilator, Haartrockner – aus Kunststoff und anderen schwer zu recycelnden Materialien.

Der Titel der Show, „Perceptual Engineering“, ist ein Satz, der für Cole Anklang gefunden hat, seit er ihn vor Jahrzehnten zum ersten Mal gehört hat. Er beschreibt, wie Werbetreibende „Realitäten erschaffen, die uns zum Kauf inspirieren“. Was er mit diesem Satz im Allgemeinen in seiner Arbeit und speziell in dieser Show meint, ist, erklärt Cole, „das, was man findet, ohne Veränderung außer der Wahrnehmungsveränderung zu nutzen.“

Cole arbeitet seit Jahren mit ausrangierten Gegenständen wie Schuhen (seine Skulptur „Shine“ aus schwarzen Pumps mit hohen Absätzen ist im afrofuturistischen Raum des Metropolitan Museum zu sehen) und Dampfbügeleisen. Letztes Jahr präsentierte er in New York eine Einzelausstellung mit Skulpturen aus Gitarren.

Coles neuester Auftrag mit dem Titel „Ornithologie“ wird am neuen Kansas City International Airport vorgestellt, der am Dienstag offiziell eröffnet wird. Cole baute 164 Saxophone ein, um als Hommage an die Jazzlegende und den vor Ort geborenen Helden Charlie (Bird) Parker einen Schwarm von 12 Vogelskulpturen auszubrüten. Er nannte das Projekt „eine echte Karrieregans“ und lachte über sein Wortspiel.

Während der verbleibenden Monate seines Aufenthaltes lud Cole, der im Rahmen der ersten Tennessee Triennial (bis zum 7. Mai) auch Arbeiten im Knoxville Museum of Art zu sehen hat, Gemeindemitglieder und Besucher ein, zusätzliche Skulpturen aus gespendeten Wasserflaschen herzustellen. Er plant, dass diese Werke im Juni als Teil seines neuen öffentlichen Kunstauftrags entlang der Park Avenue in Manhattan für den Fund for Park Avenue erstmals gezeigt werden.

Es sei nicht immer einfach, „die Wahrnehmung zu öffnen“ und vertraute Objekte auf eine neue Art und Weise zu sehen, sagt Cole. Er fordert die Schüler auf, Dinge zu zerbrechen und jedes zerbrochene Teil zu zeichnen, seine Silhouette zu untersuchen und sich seinen Maßstab neu vorzustellen. „Man muss sich alles ansehen, um zu sehen, woran man erinnert wird“, betont Cole. „Alles kann alles sein.“

Hier sind einige herausragende Stücke aus der Gruppenausstellung „Perceptual Engineering“, Auszüge aus Künstlererklärungen, die mit ihrer Arbeit eingereicht wurden.

Anfangs hatte Benjamin DeCruz, ein Rutgers-Schüler in Coles Studiowerkstatt bei Express Newark, mit dieser Aufgabe Schwierigkeiten; Cole erinnert sich: „Er konnte den Weg der Transformation nicht beschreiten.“ Letztendlich verwandelte DeCruz mit Coles Coaching eine blaue Taschenlampe in eine stehende Figur, die vor Persönlichkeit und Einstellung nur so strotzt. „‚Plastyle‘ ist ein Wortspiel mit den Wörtern ‚Plastik‘ und ‚Stil‘“, erklärt DeCruz. Das Flair rührt größtenteils von der schräg gestellten Melone seiner Figur und ihrer leicht in die Seite gestemmten Power-Pose her.

Nach einer Trennung hörte Giovanna Eley, Absolventin des Bachelor of Fine Arts der Rowan University in Glassboro, New Jersey, auf, die gefälschte Louis Vuitton-Tasche zu verwenden, die ihr Ex-Freund ihr von seiner Mutter geschenkt hatte. „Anstatt es wegzuwerfen, dachte ich, dies sei das perfekte Projekt zur Transformation – etwas aus der Vergangenheit, aus dem ich etwas Neues und Einzigartiges machen möchte“, sagt Eley. Ein DIY-Mode-Tutorial auf YouTube inspirierte Eley, zu deren Multimedia-Arbeiten auch die Herstellung eines Korsetts aus Stahl und das Gießen funktionaler Brustpanzer und Dolche aus Bronze und Aluminium gehörte, dazu, sich ihre „LV Bralette“ vorzustellen.

Ana Monteiro verwandelte eine 1,80 Meter hohe Stehlampe in ein Tischkunstwerk, um dessen Hals ein Stromkabel gewickelt war, aus dem drei Glühbirnen zu einer Blume erblühten. Die Skulptur beziehe sich auf „die Sehnsucht nach Freiheit und Transmutation in beengten Situationen“, sagt Monteiro. Wie der Titel vermuten lässt, handelt es sich um eine psychologische Arbeit über das „B“ von BDSM: Bondage.

„Meine Arbeit bietet den Betrachtern die Möglichkeit, sich in einen Raum zarter Spekulation zu begeben“, sagt Monteiro und fügt hinzu, dass sie ihr künstlerisches Schaffen – Videos, Collagen, Musik, Gemälde und Zeichnungen – als kreative „Kanäle für gespeicherte emotionale Energie, die Wahrheiten erhellen“ betrachte das könnte im Schatten verweilt haben.

Karina Nunez beschreibt sich selbst als eine große Anhängerin der Kraft des Spiels zur Selbstfindung und kreativen Weiterentwicklung. Sie fühlte sich zu einem Vintage-Haartrockner hingezogen und hat hier einen Diffusor aus den 1990er-Jahren neu interpretiert. Nunez nannte ihre Skulptur „Unidentifiziert“ und sagte, sie könne „was auch immer das Publikum entscheiden“ sein. Doch ihr Titel deutet auf ein unbekanntes Flugobjekt hin, und mit ihren helikopterähnlichen Rotorblättern auf der Oberseite sieht die Skulptur aus, als wäre sie bereit für eine Reise in die Luft.

Mit „Headphone Jack“ erkundet Samantha Treadwell unsere Beziehung zur Musik, vermittelt durch Technologie. Sie verwandelte einen Kopfhörer in eine Jack-in-the-Box-Figur, die Kopfhörer trug und dabei Gitarre spielte. Die Designs von Alltagsgegenständen „nehmen oft Formen an, die sich auf den menschlichen Körper beziehen“, bemerkt Treadwell und weist darauf hin, dass die Kopfhörer über „Gelenke“ verfügen, damit sie sich kompakt zusammenfalten lassen, und über ein „Rückgrat“, das die beiden Ohrhörer mit jeweils einer „Haut“ verbindet " aus Stoff, der die Verkabelung im Inneren verbirgt.

Todd Frankenfield, ein Mixed-Media-Künstler aus Easton, Pennsylvania, reagierte mit Begeisterung auf den offenen Aufruf und nahm ihn zum Anlass, mit Fotos (von denen einige hier zu sehen sind) die Schritte zu dokumentieren, die er unternahm, um die allgegenwärtige raue Holzpalette zu zerlegen, die oft verwendet wurde Waren zu lagern und zu transportieren. Er stapelte die Bretter zu einer totemartigen Skulptur. In seiner Praxis verwendet Frankenfield häufig Collagen und Skulpturen, um „Nihilismus, Surrealismus, Minimalismus und die inhärent endliche Eigenschaft von Materialien“ zu untersuchen.

Sein Ziel „war es, ein Objekt zu dekonstruieren und zu untersuchen, das eine ganz bestimmte einfache Funktion hat und seinen kontextuellen Wert und Zweck zu entfernen“, sagt er, aber er hat das Holz und die Nägel gezielt so zusammengesetzt, dass „sie abgerollt und angebracht werden können.“ verwenden."

Ashanti Haley spielt in ihren Zeichnungen, Gemälden, Skulpturen und Fotografien mit architektonischen, anamorphotischen und geometrischen Formen, um ihre eigenen „entscheidenden Lernerfahrungen als Kind“ zu erkunden, sagt sie. „Meine Arbeit berührt die Nuancen von Familie, Selbstliebe, Selbsterhaltung, Verwirklichung und Metamorphose.“

Hier, in einem der erfolgreichsten Werke der Ausstellung, hat sie zwei tragbare Vintage-Haartrockner dekonstruiert, sie jedoch mit Kabeln verbunden gelassen, „um die Verbindung und die Quelle der Stärke in meiner familiären Einheit zu veranschaulichen“, sagt sie und porträtiert eine Mutter, ihre Zwillinge und , unerwartet, eine Plazenta, die für sie „eine universelle und spirituelle Quelle“ symbolisiert.

Sie fügt hinzu, dass die Einbildung der Ausstellung für sie „die Kraft hervorhebt, die darin liegt, das zu dekonstruieren, was funktional erscheint, und etwas Dauerhafteres und Schöneres zu schaffen.“

Geisterfänger und lumenlose Laterne(Willie Coles Werke)

Bis 2. Februar 2024.

Wahrnehmungstechnik(Gruppenausstellung)

Bis zum 30. Juni. Beide sind im Express Newark, 54 Halsey Street, Newark; expressnewark.org.

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